Gráfica del maestro José Gutiérrez, exposición oxímoron.
LA CRONICA DE HOY JALISCO
Gráfica del maestro José Gutiérrez, exposición oxímoron.
LA CRONICA DE HOY JALISCO
Gráfica del maestro josé gutiérrez, exposición oxímoron.
Escrito por : Jessica J. Báez Márquez
Fotografía: Carolina Chaires Cervantes
En el artículo para esta semana quiero abordar el tema de lo que es la gráfica y las monotipias que se realizan en el taller del maestro jalisciense José Gutiérrez, taller que fue abierto para todos los artistas desde 1990. Platiqué con el maestro sobre la colaboración que hace con muchos de ellos, así como la colección que ha formado recientemente para llevar las obras de reconocidos artistas al Ex Convento del Carmen en Guadalajara, Jalisco con la exposición Oxímoron que estará abierta al público en nuestra ciudad por tres meses.
Hoy nos encontramos conversando en el taller del maestro en gráfica José Gutiérrez, quien muy amablemente nos concedió esta entrevista. Gracias maestro por abrirnos las puertas de su taller y bueno me gustaría comenzar con una pregunta:
Platíquenos un poco de cómo se inició usted en el mundo del arte.
Bueno yo comencé como impresor en el año 1983 porque estudié la carrera de Instructor en Artes y por suerte uno de mis maestros fue Cornelio García, de aquellos grabadores que tienen ya una trayectoria bastante larga aquí en la ciudad. Con él trabajé 7 años y después conseguí abrir mi taller hasta la fecha. Pero mis inicios fueron a partir de la carrera que realicé.
¿Cómo nació la inquietud de establecer un taller de gráfica aquí en Guadalajara?
Comencé a trabajar con Cornelio a los 16 años y anteriormente en la secundaria ya tomaba clases de artes plásticas, sí desde muy chico, a los 12 años.
¿Y siempre se inclinó por la gráfica maestro o por alguna otra disciplina artística?
No, digamos que uno empieza con la pintura y el dibujo, que en realidad es lo que le llama a uno la atención a esas edades. En el 80, en las clases que tomé en la secundaria nos obligaban a ira a exposiciones y me tocó conocer un taller que recientemente se había fundado aquí, lo que ahora es la galería del MURA, ahí tenían una prensa de grabado, entonces nos permitieron entrar a ver lo que se hacía con el grabado. Decían que era algo muy delicado, complicado y una técnica muy antigua, que no se podían tocar las placas. En realidad, no sé si en ese momento me gustó o me asustó, pero tuve mi primer encuentro con el grabado (el maestro rio recordando aquella experiencia con cariño). A los 3 o 4 años después que comencé a estudiar la carrera, es que lo asocié y supe de qué se trataba el grabado. Pero al principio mi intención era trabajar en el taller para tener trabajo, pero se volvió mi pasión y, eso lo descubrí gracias a mi maestro Cornelio García, todo el tiempo he estado trabajando en esto del grabado.
¿Qué tan importante es el mundo de la gráfica y cómo ha influido en usted?
El maestro Cornelio nos hizo comprender la capacidad y la posibilidad tan amplia que ha sido el proceso, así como lo influyente que ha sido la gráfica en la historia del arte. Hubo un tiempo en el que la gráfica y el grabado eran consideradas como el patito feo de las artes y yo pensaba que, si eso hubiera sido cierto, entonces habría que quitarle a Durero, a Rembrant y a Goya sus grabados y lo que tiene que ver con la estampa en general. Hay un periodo como la vanguardia del Pop Art que si le quitamos lo que es estampa pues nos quedaría la nada. Entonces pues sí es muy influyente la gráfica, hay piezas icónicas dentro de la historia del arte que son gráficas, así que pues no puede ser el patito feo. De ahí que al conocer todo esto me involucré de lleno en todo esto del grabado (el maestro me platicaba con gran conocimiento sobre el arte y su historia).
¿Nos podría contar un poco de su trabajo, algún grabado con el cual usted tenga mucha conexión con él y si nos pudiera platicar un poco sobre su proceso creativo?
El grabado, así como la litografía, requieren de la asesoría del impresor, hay casos de artistas que graban y uno las imprime, pero lo común es que trabajen en conjunto con el impresor. Yo no hago obra, sólo soy impresor, pero la experiencia que tuve fue haber trabajado en el taller de Cornelio con un artista local como Antonio Ramírez. Quizá fue lo que más me marcó además de con Cornelio, porque de él fue la primera pieza que yo imprimí y el artista más exigente con el que he trabajado con respecto a la calidad de lo que uno le entrega como impresor; en ese sentido él me formó mucho. Tengo muy presente el grabado que realicé, se llama “El Beso” es blanco y negro, un grabado bellísimo del año 1984.
Como lo comenta usted maestro, su trabajo es una parte fundamental para poder realizar este proceso de impresión de un artista ¿No es así?.
Sí, digamos que el proceso de realización de las placas al final tiene que ver con una sincronía y un entendimiento para poder sacar adelante las piezas. No serviría de mucho que el impresor sepa muchísimo si el grabador o el artista no lo aprovecha. Entonces el trabajo del impresor al final tiene que servir como herramienta del artista. El impresor no puede imponer lo que se tiene que hacer, uno tiene que ir más bien adecuando los conocimientos del impresor para salvar la pieza y eso es muy complicado. Nos tratamos de entender, para esto sí es necesario que haya cierto nivel del grabador y también es importante que el grabador conozca la obra de manera general del artista, para que lo que uno proponga con respecto a la técnica se vaya adecuando a lo que quiere el artista, es importante que los artistas no brinquen tanto de taller.
Con Antonio Ramírez tengo ya casi 40 años desde que trabajamos por primera vez y hace unos meses me firmó todavía unas piezas. Ana Rébora tiene 14 años haciendo solo monotipia conmigo, gracias a eso existe un buen entendimiento entre los artistas y yo para realizar la obra.
En una ocasión leí algo de Carlos Monsiváis con referencia a la labor del impresor y él decía que aparte de ser técnicos el impresor era el psicólogo, el papá del artista, porque en los talleres se tiene que generar unas condiciones para que pueda trabajar el artista, en ocasiones llegan un poco de capa caída, entonces o nos ponemos a trabajar o nos ponemos a platicar, dependiendo del ánimo del artista y eso es parte del mismo entendimiento.
¿Nos puede hablar un poco sobre el trabajo que realizaron los artistas para la exposición Oxímoron?
Sí mira, me pareció interesante trabajar con artistas para la exposición “Oxímoron”. Estos artistas tienen una trayectoria y obra de calidad, así que ponerlos a trabajar a todos juntos significó algo muy interesante. Es común poner a trabajar una misma pieza en este caso una monotipia en conjunto, es decir un solo pliego de papel. Fue un reto muy grande, porque como lo había comentado anteriormente, es difícil ponerse de acuerdo entre el gráfico y el artista, así que imagínate trabajar con 15 artistas y que ellos colaboren en una misma obra, obviamente siempre va a haber distintos puntos de vista, así que fue todo un reto y una gran experiencia para todos.
Mi amigo Aldo Carbajal filósofo, me decía que hay una figura literaria la cual lo tomamos como título de la exposición Oxímoron, se refiere a cuando dos ideas diferentes se juntan dan como resultado una tercera obra, que es trabajada como monotipia y a partir de ahí trabajamos, así que invité a Antonio Ramírez, Calos Macías, Ana Rébora como artistas más consolidados para trabajar unos con otros, no como una colección que fuera mía, sino que tuviera que mostrarse al público. El trabajo estuvo dividido en dos fases, la primera fase fue un poco más tardada, pero ya la segunda fase fue más ágil porque ya los artistas habían trabajado bastante la monotipia. La monotipia se realiza, se estampa y ya no se puede volver a estampar, por ello que se llama “mono-tipia” una y se acabó. Hay muchos factores que pueden influir en que quede o no la pieza, es estresante, pero parte de la preparación de uno como impresor, es tolerar eso y no perder la calma.
Artistas que presentan obra en la exposición Oxímoron: Teresa Loza, Ana Luisa Rébora, Raquel Barrios Arenas, Flor Kirschner, Juan Carlos Macías, Feng, Iván Villaseñor, Martha Pacheco, Paul Lozano, Natalia Señkowski, Francisco Preciado, Antonio Ramírez Chávez, Héctor Javier Ramírez, Enrique Oroz y Juan Jacobo Ramírez.
Bueno hasta aquí nuestra entrevista, agradeciendo de antemano la gran labor del maestro José Gutiérrez, quien muy amablemente nos invitó a su taller para darnos esta exclusiva, mostrarnos el proceso y las instalaciones, junto con la artista Tere Loza quien nos mostró el proceso de realización de una monotipia, así como los ayudantes gráficos del maestro. Felicitamos nuevamente al maestro José Gutiérrez, a todos los artistas y colaboradores que trabajaron para la exposición Oxímoron.
31 de Marzo del 2022 — Publicado en LA CRONICA DE HOY JALISCO (México)
Leer completo: https://www.cronicajalisco.com/notas-relaciOn_arte_grafica_del_maestro_jose_gutierrez_exposicion_oximoron-114444-2022
Gráfica del maestro josé gutiérrez, exposición oxímoron.
Escrito por : Jessica J. Báez Márquez
Fotografía: Carolina Chaires Cervantes
En el artículo para esta semana quiero abordar el tema de lo que es la gráfica y las monotipias que se realizan en el taller del maestro jalisciense José Gutiérrez, taller que fue abierto para todos los artistas desde 1990. Platiqué con el maestro sobre la colaboración que hace con muchos de ellos, así como la colección que ha formado recientemente para llevar las obras de reconocidos artistas al Ex Convento del Carmen en Guadalajara, Jalisco con la exposición Oxímoron que estará abierta al público en nuestra ciudad por tres meses.
Hoy nos encontramos conversando en el taller del maestro en gráfica José Gutiérrez, quien muy amablemente nos concedió esta entrevista. Gracias maestro por abrirnos las puertas de su taller y bueno me gustaría comenzar con una pregunta:
Platíquenos un poco de cómo se inició usted en el mundo del arte.
Bueno yo comencé como impresor en el año 1983 porque estudié la carrera de Instructor en Artes y por suerte uno de mis maestros fue Cornelio García, de aquellos grabadores que tienen ya una trayectoria bastante larga aquí en la ciudad. Con él trabajé 7 años y después conseguí abrir mi taller hasta la fecha. Pero mis inicios fueron a partir de la carrera que realicé.
¿Cómo nació la inquietud de establecer un taller de gráfica aquí en Guadalajara?
Comencé a trabajar con Cornelio a los 16 años y anteriormente en la secundaria ya tomaba clases de artes plásticas, sí desde muy chico, a los 12 años.
¿Y siempre se inclinó por la gráfica maestro o por alguna otra disciplina artística?
No, digamos que uno empieza con la pintura y el dibujo, que en realidad es lo que le llama a uno la atención a esas edades. En el 80, en las clases que tomé en la secundaria nos obligaban a ira a exposiciones y me tocó conocer un taller que recientemente se había fundado aquí, lo que ahora es la galería del MURA, ahí tenían una prensa de grabado, entonces nos permitieron entrar a ver lo que se hacía con el grabado. Decían que era algo muy delicado, complicado y una técnica muy antigua, que no se podían tocar las placas. En realidad, no sé si en ese momento me gustó o me asustó, pero tuve mi primer encuentro con el grabado (el maestro rio recordando aquella experiencia con cariño). A los 3 o 4 años después que comencé a estudiar la carrera, es que lo asocié y supe de qué se trataba el grabado. Pero al principio mi intención era trabajar en el taller para tener trabajo, pero se volvió mi pasión y, eso lo descubrí gracias a mi maestro Cornelio García, todo el tiempo he estado trabajando en esto del grabado.
¿Qué tan importante es el mundo de la gráfica y cómo ha influido en usted?
El maestro Cornelio nos hizo comprender la capacidad y la posibilidad tan amplia que ha sido el proceso, así como lo influyente que ha sido la gráfica en la historia del arte. Hubo un tiempo en el que la gráfica y el grabado eran consideradas como el patito feo de las artes y yo pensaba que, si eso hubiera sido cierto, entonces habría que quitarle a Durero, a Rembrant y a Goya sus grabados y lo que tiene que ver con la estampa en general. Hay un periodo como la vanguardia del Pop Art que si le quitamos lo que es estampa pues nos quedaría la nada. Entonces pues sí es muy influyente la gráfica, hay piezas icónicas dentro de la historia del arte que son gráficas, así que pues no puede ser el patito feo. De ahí que al conocer todo esto me involucré de lleno en todo esto del grabado (el maestro me platicaba con gran conocimiento sobre el arte y su historia).
¿Nos podría contar un poco de su trabajo, algún grabado con el cual usted tenga mucha conexión con él y si nos pudiera platicar un poco sobre su proceso creativo?
El grabado, así como la litografía, requieren de la asesoría del impresor, hay casos de artistas que graban y uno las imprime, pero lo común es que trabajen en conjunto con el impresor. Yo no hago obra, sólo soy impresor, pero la experiencia que tuve fue haber trabajado en el taller de Cornelio con un artista local como Antonio Ramírez. Quizá fue lo que más me marcó además de con Cornelio, porque de él fue la primera pieza que yo imprimí y el artista más exigente con el que he trabajado con respecto a la calidad de lo que uno le entrega como impresor; en ese sentido él me formó mucho. Tengo muy presente el grabado que realicé, se llama “El Beso” es blanco y negro, un grabado bellísimo del año 1984.
Como lo comenta usted maestro, su trabajo es una parte fundamental para poder realizar este proceso de impresión de un artista ¿No es así?.
Sí, digamos que el proceso de realización de las placas al final tiene que ver con una sincronía y un entendimiento para poder sacar adelante las piezas. No serviría de mucho que el impresor sepa muchísimo si el grabador o el artista no lo aprovecha. Entonces el trabajo del impresor al final tiene que servir como herramienta del artista. El impresor no puede imponer lo que se tiene que hacer, uno tiene que ir más bien adecuando los conocimientos del impresor para salvar la pieza y eso es muy complicado. Nos tratamos de entender, para esto sí es necesario que haya cierto nivel del grabador y también es importante que el grabador conozca la obra de manera general del artista, para que lo que uno proponga con respecto a la técnica se vaya adecuando a lo que quiere el artista, es importante que los artistas no brinquen tanto de taller.
Con Antonio Ramírez tengo ya casi 40 años desde que trabajamos por primera vez y hace unos meses me firmó todavía unas piezas. Ana Rébora tiene 14 años haciendo solo monotipia conmigo, gracias a eso existe un buen entendimiento entre los artistas y yo para realizar la obra.
En una ocasión leí algo de Carlos Monsiváis con referencia a la labor del impresor y él decía que aparte de ser técnicos el impresor era el psicólogo, el papá del artista, porque en los talleres se tiene que generar unas condiciones para que pueda trabajar el artista, en ocasiones llegan un poco de capa caída, entonces o nos ponemos a trabajar o nos ponemos a platicar, dependiendo del ánimo del artista y eso es parte del mismo entendimiento.
¿Nos puede hablar un poco sobre el trabajo que realizaron los artistas para la exposición Oxímoron?
Sí mira, me pareció interesante trabajar con artistas para la exposición “Oxímoron”. Estos artistas tienen una trayectoria y obra de calidad, así que ponerlos a trabajar a todos juntos significó algo muy interesante. Es común poner a trabajar una misma pieza en este caso una monotipia en conjunto, es decir un solo pliego de papel. Fue un reto muy grande, porque como lo había comentado anteriormente, es difícil ponerse de acuerdo entre el gráfico y el artista, así que imagínate trabajar con 15 artistas y que ellos colaboren en una misma obra, obviamente siempre va a haber distintos puntos de vista, así que fue todo un reto y una gran experiencia para todos.
Mi amigo Aldo Carbajal filósofo, me decía que hay una figura literaria la cual lo tomamos como título de la exposición Oxímoron, se refiere a cuando dos ideas diferentes se juntan dan como resultado una tercera obra, que es trabajada como monotipia y a partir de ahí trabajamos, así que invité a Antonio Ramírez, Calos Macías, Ana Rébora como artistas más consolidados para trabajar unos con otros, no como una colección que fuera mía, sino que tuviera que mostrarse al público. El trabajo estuvo dividido en dos fases, la primera fase fue un poco más tardada, pero ya la segunda fase fue más ágil porque ya los artistas habían trabajado bastante la monotipia. La monotipia se realiza, se estampa y ya no se puede volver a estampar, por ello que se llama “mono-tipia” una y se acabó. Hay muchos factores que pueden influir en que quede o no la pieza, es estresante, pero parte de la preparación de uno como impresor, es tolerar eso y no perder la calma.
Artistas que presentan obra en la exposición Oxímoron: Teresa Loza, Ana Luisa Rébora, Raquel Barrios Arenas, Flor Kirschner, Juan Carlos Macías, Feng, Iván Villaseñor, Martha Pacheco, Paul Lozano, Natalia Señkowski, Francisco Preciado, Antonio Ramírez Chávez, Héctor Javier Ramírez, Enrique Oroz y Juan Jacobo Ramírez.
Bueno hasta aquí nuestra entrevista, agradeciendo de antemano la gran labor del maestro José Gutiérrez, quien muy amablemente nos invitó a su taller para darnos esta exclusiva, mostrarnos el proceso y las instalaciones, junto con la artista Tere Loza quien nos mostró el proceso de realización de una monotipia, así como los ayudantes gráficos del maestro. Felicitamos nuevamente al maestro José Gutiérrez, a todos los artistas y colaboradores que trabajaron para la exposición Oxímoron.
31 de Marzo del 2022 — Publicado en LA CRONICA DE HOY JALISCO (México)
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